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Cassandre, une jeune femme de 26 ans originaire de Huy, est hôtesse de l’air chez Wing, une compagnie low cost semblable à Ryanair. Elle exerce ce métier « pour voyager ». Mais son emploi du temps se résume invariablement à des vols moyen courrier au départ de Bruxelles vers Malaga ou Lanzarote alors que son rêve serait de pouvoir assumer chez Emirates des vols long courrier vers des destinations prestigieuses telles que Dubaï. Mais en 2024 le statut du personnel de cabine des compagnies low cost ne correspond plus à celui du personnel de la Sabena il y a 25 ans.

Par Guy Van Sinoy

Les relations humaines avec la hiérarchie sont impersonnelles et cassantes. Elle se limitent le plus souvent à des directives communiquées à distance sur écran. Pour exercer ce métier chez Wing il faut avant tout apprendre à faire fi de ses émotions, s’entraîner à sourire pendant minimum 30 secondes et encaisser sans broncher les grossièretés de l’un ou l’autre passager. L’évaluation du personnel de bord se fait sur le montant de la vente en cabine : boissons, sandwiches, friandises et parfums.

Pour tenter d’oublier quelque peu cette situation aliénante, lors des escales, Cassandre fait souvent la fête la nuit en boîte. Après trois ans de vol elle doit choisir : soit passer des tests pour devenir chef de cabine, soit perdre son emploi. C‘est de cette façon que Wing organise la rotation du personnel, élimine les moins « performantes » et s’assure de n’employer que du personnel jeune et mal payé.

Ce film de fiction réalisé par deux jeunes auteur.trice belges  (Emmanuel Marre et Julie Lecoustre) nous fait partager le sort des précaires bossant dans les compagnies low cost. Dans une séquence tournée à Zaventem, un petit clin d’œil à Didier Lebbe, secrétaire syndical CNE en charge du personnel naviguant (dans la vraie vie).

Don’t Look Up : Déni cosmique est le nouveau film à succès de Netflix, une comédie satirique qui traite de la politique, des médias, de la science, des théories du complot, de la pandémie et du changement climatique.

Par Manus Lenihan, Socialist Party (section irlandaise d’ASI)

Une comète est sur le point d’anéantir toute vie sur Terre : telle était l’idée de base de non pas un mais deux films hollywoodiens sortis en 1998. Deep Impact était considéré comme plus “réaliste” qu’Armageddon, mais tous deux étaient des fantasmes des années 1990, à l’époque où davantage de gens faisaient encore confiance à l’establishment politique. L’intellectuel Francis Fukuyama s’était construit une notoriété internationale en parlant de la « fin de l’histoire ». Les deux films nous montrent une espèce humaine unie, guidée par des politiciens américains sages et bienveillants qui adoptent les mesures qui s’imposent pour sauver la planète de la destruction.

Cette fin d’année 2021, beaucoup d’entre nous ont regardé « Don’t Look Up, déni cosmique », un film qui repose sur le même principe. Mais cette comédie est beaucoup plus fidèle à la réalité… Elle comprend que la bataille ne se résume pas à « l’humanité contre la comète ». En tant qu’espèce, les moyens existent pour détruire l’astéroïde. Mais la classe dirigeante est trop pourrie pour le faire. Là où Armageddon parlait essentiellement d’un gros caillou, Don’t Look Up, déni cosmique traite de la politique, des médias, de la science, des théories du complot, de la pandémie et du changement climatique.

Essayons d’aborder l’intrigue sans tomber dans les spoilers… L’histoire suit Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), l’étudiante américaine qui découvre l’astéroïde, et Randall Mindy (Leonardo DiCaprio), son professeur. Encore sous le choc de la découverte de la fin du monde, ils sont d’autant plus décontenancées par le fait que les médias et la présidente américaine (Meryl Streep) s’en moquent. L’histoire de l’astéroïde « tueur de planète » doit se frayer un chemin dans l’actualité entre la rupture d’une célébrité et la nomination d’un cow-boy ancien acteur porno à la Cour suprême.

Après avoir été ignorés, Kate et Mindy doivent affronter le déni. La science est remise en question, Kate et Mindy sont dénoncées comme “marxistes” par l’extrême droite. Le téléspectateur pensera inévitablement aux débats autour du Covid et du changement climatique.

Après le déni, vient la cooptation. Kate paie un lourd tribut parce qu’elle n’a pas peur de dénoncer les machinations des milliardaires de la tech et des politiciens – l’étiquette de “marxiste” n’est peut-être pas si éloignée de la réalité. Mais Mindy est séduit par la célébrité. Il permet que sa propre crédibilité de scientifique soit utilisée comme feuille de vigne pour un projet imprudent et cupide. Dans une phrase que nous avons entendue de la part de milliers de traîtres politiques, il insiste sur le fait qu’il est préférable d’être « dans la pièce où les décisions sont prises ». Même s’il n’a pas vraiment son mot à dire et que les décisions sont mauvaises.

A un certain moment, l’acolyte de la présidente (Jonah Hill) explique à un rassemblement digne de Trump que le monde est divisé en « vous, la classe ouvrière », « nous, les riches cool », et, en tirant un visage dégoûté, « eux ». Le terme « eux » faisant référence aux personnes qualifiées « d’intelligentes ».

Le film se moque bien sûr de cette vision du monde étrange et condescendante. Mais à d’autres moments, le film semble porter lui-même une telle condescendance. À plusieurs reprises, les protagonistes plaident avec ferveur pour que nous écoutions les scientifiques, les « personnes qualifiées ». Don’t Look Up, déni cosmique a été critiqué sur ce point pour avoir dépeint la population comme étant crédule et prête à écouter des charlatans plutôt que des « personnes qualifiées ». Mais au vu de la guerre en Irak, de la crise financière ou encore de la pandémie, la méfiance de la population ordinaire à l’égard des « personnes qualifiées » repose sur des éléments biens réels.

A d’autres moments, le film évite l’écueil des remontrances anti-populaires élitistes. Lorsque Mindy et deux lauréats du prix Nobel apposent leur nom sur un plan téméraire et cupide, on nous rappelle que les scientifiques, comme n’importe qui d’autre, peuvent être recrutés au service de causes opposées à la science et à l’Humanité.

Au final, le poids écrasant de la rage et de la moquerie du film retombe principalement sur la classe dirigeante : les grandes entreprises, les décideurs politiques et les médias. Mark Rylance livre une performance glaçante dans le rôle de Peter Isherwell, un personnage qui incarne les grands capitalistes du secteur technologique comme Musk, Thiel et Bezos. Ce personnage est outré lorsqu’on le qualifie d’”homme d’affaires”, car à ses yeux, il n’est rien de moins qu’un messie de la technologie.

Les premiers succès du réalisateur Adam McKay, comme Anchorman (2004, « Présentateur vedette : La Légende de Ron Burgundy » en français) et Step Brothers (2008, « Frangins malgré eux » en français), étaient des films amusants et un peu idiots, avec davantage de moments de franche rigolade. Le générique de fin de The Other Guys (2010, renommé « Very bad cops » pour sa sortie francophone), qui retraçait de manière percutante l’histoire des scandales financiers, laissait entrevoir que le réalisateur jetait son dévolu sur la politique. Puis vint The Big Short (2015, « The Big Short : Le Casse du siècle »), une comédie expliquant les racines de la crise financière. Don’t Look Up s’inscrit dans cette continuité avec une satire plus épique et plus décalée.

C’est un film cynique et pessimiste, pessimiste quant à la capacité de notre classe dirigeante brisée et pourrie à nous sauver, cynique concernant nos milliardaires sociopathes et leurs complexes de sauveur. Mais il n’est pas cynique sur l’humanité en général. Les dernières scènes, avec leurs moments humains touchants et sensibles, rendent hommage à celles et ceux qui agissent même lorsque l’avenir est des plus sombres. Comparé à des films satiriques célèbres comme Dr Strangelove (1964, Docteur Follamour) ou Network (1976, Network : Main basse sur la télévision), Don’t Look Up, déni cosmique est étonnamment optimiste.

Rocks, réalisé par Sarah Gavron, est un film moderne centré sur le passage à l’âge adulte, sur la vie et les luttes du personnage principal, Olushola “Rocks” Omotoso. Le film se déroule dans le Londres d’avant la pandémie et suit Rocks et ses amies adolescentes dans leur vie quotidienne dans un milieu ouvrier et multiculturel. L’intrigue principale tourne autour de la réaction de Rocks face à une crise familiale.

Par Shane Finnan, Socialist Party (section irlandaise d’Alternative Socialiste Internationale)

Au début du film, la mère de Rocks abandonne à la fois Rocks et son jeune frère. Ce n’est pas la première fois que la mère de Rocks prend son envol. Elle a des antécédents de maladie mentale. Dans une lettre laissée à sa fille, sa mère explique qu’elle a besoin de “se vider la tête” et “je devrais vraiment être meilleure pour toi”. Les détails de la crise qui touche la mère de Rocks sont filtrés pour le public tout au long du film.

Le film est à la fois une évaluation réaliste de la maladie mentale sous le capitalisme et de ce que cela signifie de vivre sous le seuil de pauvreté. La maison familiale est un appartement d’une tour d’habitation. Le film a été tourné dans les années qui ont suivi l’incendie de la tour Grenfell à Londres. Si aucune référence n’est faite à cet incendie, la précarité de l’existence dans une tour ouvrière multiethnique qui y est relatée fait immanquablement penser à cette catastrophe.

L’un des thèmes principaux du film est la résilience. Rocks utilise son intelligence et sa réflexion pour survivre. Subitement seule à s’occuper de son jeune frère, Rocks, qui n’a pas plus de 14 ou 15 ans, doit trouver chaque jour comment veiller sur son jeune frère et comment échapper aux services sociaux. Elle connaît bien la nature des services sociaux en Grande-Bretagne et est déterminée à ne pas être prise en charge avec l’espoir que sa mère réapparaisse après une période de convalescence.

Rocks est née d’une mère nigériane et d’un père anglais, elle n’a pas de famille en Grande-Bretagne. Après sa mère, son plus proche parent est sa grand-mère qui vit à Lagos. L’école de Rocks est représentative du Londres multiethnique. À l’école, elle ne subit aucun racisme de la part de ses camarades de classe. Sa meilleure amie est d’origine nord-africaine, et ses autres amis viennent de milieux aussi divers que ceux des Roms ou des Anglais blancs. Une scène montre la jeune fille d’origine rom raconter comment son arrière-grand-parent a péri à Auschwitz. On y voit les filles se moquer d’Hitler, avec un argot londonien et une façon de parler tout à fait authentique. La représentation des personnages est sincère et crédible.
Mais Rocks n’est pas seulement l’histoire des épreuves du personnage principal. C’est bien plus que cela. Au-delà des dures réalités de la vie quotidienne, on y trouve une réflexion sur le véritable sens de la vie et de la lutte. Au-delà des difficultés, le film aborde la solidarité et les liens qui unissent les jeunes. Le spectateur sera parfois près des larmes, mais il sera inspiré par la représentation sincère de ces adolescentes issues de la classe ouvrière et de différents milieux qui prennent soin les unes des autres.

Pendant un moment, il semblait que le célèbre cinéaste britannique et militant socialiste Ken Loach allait définitivement ranger sa caméra après ‘‘Moi, Daniel Blake’’. Mais il est de retour une fois de plus. Avec ‘‘Sorry We Missed You’’, il se focalise sur la misère et la pauvreté qui se cachent derrière les flexijobs britanniques.

Par Koerian (Gand)

Cinq millions, c’est le nombre de Britanniques qui travaillent de manière indépendante, sans contrat ni sécurité d’emploi. 900.000 d’entre eux travaillent avec des contrats dits ‘‘zéro heure’’, des contrats par lesquels le patron décide au dernier moment où vous travaillez et même si vous travaillez. (1)

Depuis la crise financière, le nombre de ces contrats précaires a grimpé en flèche. Ils représentent un quart de la croissance de l’emploi en Grande-Bretagne depuis 2012. Les patrons tentent d’augmenter leurs profits en réduisant les coûts de main-d’œuvre. Cela fait partie du raz-de-marée de précarité qui frappe particulièrement les États-Unis et la Grande-Bretagne. La Belgique est également touchée, il suffit de penser aux emplois flexibles et aux actions des coursiers de Deliveroo pour de meilleures conditions de travail et de salaire.

La vie dans le cadre d’un contrat ‘‘zéro heure’’ est une vie faite de pauvreté et d’insécurité. Les études montrent que plus une personne reste longtemps coincée dans un travail flexible, plus sa santé mentale et physique se détériore. (2)

C’est cette réalité sociale que dénonce Ken Loach dans ‘‘Sorry, We Missed You’’. Le film suit une famille à Newcastle upon Tyne. La mère, Abby, travaille comme aide-ménagère indépendante et le père, Ricky, essaie de trouver un emploi de livreur de colis en sous-traitance. Le couple a une fille de onze ans très intelligente et un fils adolescent rebelle de quinze ans. Après la crise de 2008, Ricky a perdu son emploi et la maison familiale. L’horaire de travail inhumain de Ricky ne lui laisse pas le temps de rester à la maison, de dormir plus de quelques heures d’affilée ou même d’aller aux toilettes. Lorsqu’il est incapable de travailler pour quelque raison que ce soit et qu’il ne trouve pas lui-même un remplaçant, il paie une amende de 100 livres à son employeur. En l’absence de conventions collectives de travail ou de droits sociaux, l’arbitraire patronal ne connaît pas de limite.

Les espoirs de la famille au début du film – la perspective d’obtenir une hypothèque grâce au nouveau travail de Ricky – ne fait que souligner le désespoir d’une situation où le travail fait plonger plus loin dans la misère.

“Sorry” est à tous points de vue un complément à ‘‘Moi, Daniel Blake’’. Les deux films montrent la réalité quotidienne de grandes couches de travailleurs dans le Nord de l’Angleterre. Aucun de ces deux films ne cherche à adoucir les choses. Le réalisme gris de Ken Loach ne laisse aucune place aux lumières hollywoodiennes. Les deux œuvres constituent de sévères condamnations du néolibéralisme anglais.

Le film est admirablement servi par les performances des acteurs Chris Hitchen et Debbie Honeywood, non pas des acteurs professionnels, mais des parents qui ont élevé leurs enfants en subissant des emplois précaires et mal payés. Ils recevaient toujours leur scénario juste avant d’avoir à jouer la scène en question et les surprises, la tristesse et le désespoir que l’on voit à l’écran sont spontanés. La pression que l’existence incertaine exerce sur chaque membre de la famille, y compris les enfants, est parfaitement interprétée.

Comme toujours, Ken Loach n’offre pas au spectateur une solution ou une alternative. En réalité, il est peut-être un socialiste de principe, mais dans ses films, il se veut chroniqueur. Il se considère comme l’un des rares réalisateurs qui, entre documentaires paresseux et talk-shows, met en lumière la dure réalité de la vie sous le capitalisme. Ce qui est déjà appréciable. Comme il le dit lui-même dans une interview au Guardian : ‘‘Les gens sont conscients des règles tacites [de la bureaucratie télévisuelle] sans lesquelles les émissions seraient pleines de rage sur la pauvreté, l’itinérance, les inégalités grotesques, la stupidité de la privatisation et la faillite du NHS (le service de soins de santé britanniques). (3)

1.https://www.onrec.com/news/statistics-and-trends/zero-hour-contracts-triple-accounting-for-a-quarter-of-total-employment
2.https://onlinelibrary.wiley.com/doi/full/10.1111/roiw.12316
3.https://www.theguardian.com/film/2019/oct/10/ken-loach-sorry-we-missed-you-interview-poverty-homelessness-inequality-privatisation

[Spoil alert !]

Joker est un film captivant qui a remporté le premier prix à la Mostra de Venise mais qui a d’autre part fait l’objet d’une vague de mépris de la part des critiques de cinéma. Certains ont décrit le film comme étant ‘‘irresponsable’’ et même ‘‘toxique’’.

Par James McCabe, Socialist Party (CIO – Irlande)

Des commentateurs de tous bords ont souligné que la toile de fond du film allait toucher une corde sensible du public actuel. Nous nous retrouvons au début des années ’80 dans la ville fictive de Gotham, alors que les inégalités de richesse et les troubles politiques vont croissant.

Le protagoniste, Arthur Fleck, est un adulte vivant avec sa mère. Il prend des médicaments pour traiter sa maladie mentale et mène une existence pauvre et précaire comme clown et comédien en herbe. Mais Fleck ne parvient pas à faire rire. Il est tourné en ridicule par ses pairs pour ses accès de rire involontaires et incontrôlables. En plus d’un certain nombre d’expériences humiliantes, son suivi psychologique et médicamenteux lui est retiré en raison de coupes budgétaires.

Sa situation suscite encore plus de pitié lorsque l’on apprend qu’il a été victime de graves sévices durant son enfance. Mais nous sommes en même temps dégoûtés par ses fantasmes concernant sa voisine de palier, qu’il suivra d’ailleurs alors qu’elle se rendait à son travail. Sa frustration et sa rage intériorisées exploseront en une violence meurtrière lorsqu’il abat trois jeunes loups de Wall Street qui l’agressent dans le métro.

Les émeutes de Gotham

Ce trio s’avérera être constitué d’employés du milliardaire Thomas Wayne, à qui il est demandé dans une interview télévisée s’il pense que le meurtrier est motivé par des sentiments anti-riches. Wayne répondra : ‘‘Ceux d’entre nous qui ont fait quelque chose de leur vie regarderont toujours ceux qui n’ont rien fait pour n’y voir que des clowns.’’ Ce commentaire entraînera des manifestations et des émeutes, les manifestants affublés de masques de clown et brandissant des pancartes aux slogans tels que ‘‘Resist’’ et ‘‘Eat the rich’’. Un manifestant masqué paraît au journal télévisé alors qu’il crie ‘‘f*ck les riches, f*ck Thomas Wayne, f*ck le système !’’

Dans les films Batman précédents, Thomas Wayne était présenté comme un noble philanthrope. Dans Joker, on découvre que le milliardaire Wayne a abusé d’une employée ; une réflexion du comportement sexiste et abusif qui a déclenché le mouvement #metoo.

Un film dangereux ?

La plupart des commentaires négatifs sur le film mettent l’accent sur le danger supposé que les actions violentes d’Arthur Fleck puissent susciter des fusillades de masse de la part d’un imitateur. Cette idée selon laquelle les films seraient la principale cause des fusillades de masse est dans la droite ligne des réactions superficielles des médias traditionnels face à ces dramatiques événements de plus en plus fréquents. De plus, l’idée que la santé mentale et la violence vont de pair est un mythe dangereux utilisé par l’establishment pour tenter de séparer les fusillades de masse de leur contexte socio-économique.

Le stéréotype du tireur de masse en tant qu’élément solitaire avec des problèmes de santé mentale s’écarte du contexte plus large de la croissance des idées d’extrême droite, ainsi que de l’aliénation sociale et du stress affectant une grande partie de la population en raison de la précarité du travail et du logement dans la société capitaliste actuelle. Sans parler du contexte de la réaction actuelle contre le mouvement mondial des femmes et de l’hyper-masculinité qui est célébrée dans la culture américaine dans le cadre de la propagande pro-guerre de l’establishment.

Hollywood, une île isolée ?

Ce qui a caractérisé les films hollywoodiens au cours des dernières décennies, c’est qu’ils sont généralement complètement séparés de la réalité sociale. Les inégalités sans précédent d’aujourd’hui, les effets de l’austérité néolibérale, la montée du populisme de droite, l’augmentation de la surveillance de masse et les attaques contre les libertés civiles, les nombreuses guerres, le sexisme et le racisme institutionnels généralisés sont rarement traités par Hollywood, même de manière limitée. Peu importe le traitement des mouvements qui sont apparus en réaction à tous ces sujets. Le flot de films issus de comic books, avec leurs promesses de préquels et de suites très rentables, témoigne de la paresse, de la fatigue et du faible niveau culturel que la domination de l’art par les grandes entreprises tend à générer.

L’image que “Joker” peint du capitalisme moderne s’écarte non seulement du genre “comic book”, mais aussi des histoires généralement banales et des personnages plats qu’un Hollywood déconnecté a mis en scène au cours de la dernière période. La violence graphique dans “Joker” est toutefois horrible, bien qu’elle soit heureusement moins stylisée que la violence célébrée dans les films de Scorsese et Tarantino.

Le film témoigne d’une prise de conscience croissante, par les couches supérieures de la classe moyenne qui dominent Hollywood, de l’impact des crises capitalistes sur la classe ouvrière et les opprimés aujourd’hui. Inspiré par de nombreux films de Scorsese, “Joker” partage également la misanthropie de ce réalisateur et de ses pairs.

Dans “Joker”, la représentation du mouvement de protestation comme une horde d’émeutiers violents et enclins au chaos pourrait bien indiquer l’anxiété que cette couche de la classe moyenne supérieure éprouve à l’égard des mouvements sociaux qui pourraient d’une quelconque manière déstabiliser ou menacer le système sur lequel repose leurs propres privilèges. C’est probablement trop demander que d’attendre de ces gens qu’ils comprennent que, dans le monde réel, tous les changements progressistes ont été gagnés par des luttes par en bas.

Les films n’ont pas besoin de se terminer par un appel au socialisme, mais il n’y aurait pas de mal à ce que davantage de films puissent parler du monde dans lequel nous vivons. De ce point de vue, “Joker” aborde certains points, ce qui peut faire réfléchir les gens, malgré une perspective profondément pessimiste. La production de films qui font preuve d’un certain optimisme à l’égard des gens ordinaires et de la nature humaine serait plus que bienvenue. Et ils seraient plus proches de la vérité.